10 anni del MAAM di Roma, il primo museo abitato del mondo.

Articolo di Rita Chessa.

Intervista a Giorgio de Finis, fautore di questa straordinaria rivoluzione culturale. Il 23 aprile 2022 il MAAM, il Museo dell’Altro e dell’Altrove di Metropoliz compirà dieci anni, così come dieci anni compiranno le sperimentazioni museali che da lì hanno preso il via ad opera dell’antropologo, artista e curatore Giorgio de Finis. Dieci anni per trasformare l’ex-salumificio occupato sulla Prenestina in una roccaforte d’arte viva, con centinaia di muri dipinti, sculture, installazioni e performance realizzate da artisti affermatissimi ed emergenti. Arte “a protezione” degli abitanti, circa 200 persone, nuclei famigliari con tanti bambini, provenienti da diverse parti del mondo, una “città meticcia” in continua evoluzione.

“A marzo presenteremo ufficialmente la candidatura del MAAM come patrimonio dell’Unesco, che abbiamo già annunciato a settembre con una campagna chiamata ‘Nunesco’, un gioco di parole volto a sottolineare la volontà degli abitanti di continuare a vivere nel museo abitato” ci confida de Finis.

La sua attività è inarrestabile: oltre al MAAM, ha fondato e diretto il Dif, il museo diffuso della città di Formello (lo scorso anno chiuso dall’amministrazione comunale di centrodestra che non lo ha gradito), porta avanti il progetto del Museo delle Periferie, ed è stato direttore nel biennio 2018 -2019 del Macro, il Museo d’Arte Contemporanea di Roma. Ha all’attivo numerose pubblicazioni ed è autore di molti film-documentari, tra cui ricordiamo “Space Metropoliz” e il recentissimo “Macro Asilo, il museo di tutti”.

La sua visione d’arte si discosta dalle logiche del mercato e dalla mitopoiesi di pochi artisti eletti dal sistema finanziario. Una prospettiva rivoluzionaria che si è espressa coerentemente con il progetto sperimentale “Macro Asilo” dove per 15 mesi, ha trasformato in stretta collaborazione con l’Azienda Speciale Palaexpo, il museo d’arte contemporanea di Roma in un vero e proprio organismo vivente, “ospitale” e relazionale, che stimolava all’incontro e alle connessioni tra persone, saperi e discipline in una logica di costante apertura e partecipazione della città e del pubblico.

“Il museo è il fiore all’occhiello delle città globali in competizione, ma le città sono anche l’ecosistema privilegiato dai Sapiens del Terzo Millennio. Ripensare il museo vuol dire ripensare la città, sperimentare la possibilità di una città diversa, plurale, inclusiva, partecipata e soprattutto più equa. Se mai sarà costruito, il Museo delle periferie sarà il primo museo di Roma Capitale fuori del Grande Raccordo Anulare. Avere un posto fisico ci permetterà di intessere relazioni con il territorio”. Afferma de Finis in attesa che prenda il via il cantiere del museo delle periferie che dovrebbe essere realizzato in via dell’Archeologia a Tor Bella Monaca. “L’obiettivo è di valorizzare quello che in periferia nasce di vitale e originale, e al tempo stesso contribuire a costruire, attraverso attività artistiche e relazionali, la città di tutti. La nostra idea di museo non si fonda su un sistema piramidale e gerarchico, ma sul presupposto che ogni attore che vi partecipa possa contribuire alla costruzione di uno spazio del comune, prendendosi la responsabilità in prima persona del proprio operato”.

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L’utopia artistica di Giorgio de Finis ci permette di vivere esperienze distopiche (per citare Massimo Canevacci) e di godere della creazione di opere dentro ad un corpo vivo vicino a tematiche sociali possibilmente lontane da dinamiche autoreferenziali del sistema dell’arte.

Non mancherà la nostra presenza durante il grande evento che si svolgerà ad aprile per celebrare i 10 anni di resistenza del MAAM, luogo di salvataggio culturale ed umano, dove vi trovano rifugio sia le persone che reclamano il diritto alla casa che gli artisti.

“L’arte cancella la lavagna del mondo così com’è per ridisegnarlo”, afferma Giorgio poco prima di salutarci.

Accadde oggi: 20 gennaio 1920, 102 anni fa nasceva Federico Fellini, il regista innamorato di Roma.

Oggi ricorre il centoduesimo anniversario di nascita del grandissimo Federico Fellini, uno dei più grandi registi di tutti i tempi, orgoglio e vanto della cultura cinematografica italiana. Il regista romagnolo girò moltissimi dei suoi film, alcuni dei quali veri e propri capolavori, a Cinecittà e nei quartieri di Roma, la città dove ha vissuto e di cui era profondamente innamorato.

Ripercorriamo la sua vita, proposta da “Biografie”. Federico Fellini nasce a Rimini il 20 gennaio 1920 da famiglia piccolo-borghese. Il padre proviene da Gambettola e fa il rappresentante di commercio di generi alimentari, mentre la madre è una semplice casalinga. Il giovane Federico frequenta il liceo classico della città ma lo studio non fa molto per lui. Comincia allora a procurarsi i primi piccoli guadagni come caricaturista: il gestore del cinema Fulgor, infatti, gli commissiona ritratti di attori celebri da esporre come richiamo. Nell’estate del 1937 Fellini fonda, in società con il pittore Demos Bonini, la bottega “Febo”, dove i due eseguono caricature di villeggianti.

Durante il 1938 sviluppa una sorta di collaborazione epistolare con giornali e riviste, come disegnatore di vignette: la “Domenica del Corriere” gliene pubblica una dozzina nella rubrica “Cartoline dal pubblico”, mentre con il settimanale fiorentino “420” il rapporto diventa più professionale e prosegue fino ad accavallarsi con il primo periodo del “Marc’Aurelio”. In questi anni Federico Fellini vive già stabilmente a Roma, dove si è trasferito nel gennaio 1939, con la scusa di iscriversi a giurisprudenza. Fin dai primi tempi, frequenta il mondo dell’avanspettacolo e della radio, dove conosce, fra gli altri, Aldo Fabrizi, Erminio Macario e Marcello Marchesi, e comincia a scrivere copioni e gag. Alla radio incontra, nel 1943, anche Giulietta Masina che sta interpretando il personaggio di Pallina, ideato dallo stesso Fellini. Nell’ottobre di quell’anno i due si sposano. Per il cinema ha già iniziato a lavorare fin dal 1939, come “gagman” (oltre a scrive battute per alcuni film girati da Macario).

L’anno successivo Fellini dirige il suo primo film da solo, “Lo sceicco bianco”. Con “I vitelloni”, invece, (siamo nel 1953), il suo nome varca i confini nazionali e viene conosciuto all’estero. In questa pellicola, il regista ricorre per la prima volta ai ricordi, all’adolescenza riminese e ai suoi personaggi stravaganti e patetici. L’anno dopo con “La strada” conquista l’Oscar ed è la consacrazione internazionale. Il secondo Oscar, invece, arriva nel 1957 con “Le notti di Cabiria”. Come in “La strada”, la protagonista è Giulietta Masina, che ha avuto via via ruoli di diversa importanza in tutti i primi film del marito. Qui veste i panni della Cabiria del titolo, una prostituta ingenua e generosa, che paga con atroci delusioni la fiducia che ripone nel prossimo.

Con “La dolce vita” (1959), Palma d’oro a Cannes e spartiacque della produzione felliniana, si acuisce l’interesse per un cinema non legato alle tradizionali strutture narrative. Alla sua uscita il film suscita scandalo, soprattutto negli ambienti vicini al Vaticano: gli si rimprovera, assieme ad una certa disinvoltura nel presentare situazioni erotiche, di raccontare senza reticenze la caduta dei valori della società contemporanea.

Nel 1963 esce “8½”, forse il momento più alto dell’arte felliniana. Vincitore dell’Oscar per il miglior film straniero e per i costumi (Piero Gherardi), è la storia di un regista che racconta, in modo sincero e sentito, le sue crisi di uomo e di autore. L’universo onirico introdotto in “8½” ritorna in forma esplicita in tutti i film fino alla fine degli anni sessanta: in “Giulietta degli spiriti” (1965), ad esempio, è tradotto al femminile e tenta di far da riferimento alle ossessioni e ai desideri di una donna tradita.

Con il successivo “Toby Dammit”, episodio di “Tre passi nel delirio” (1968), trasfigura una novella di Edgar Allan Poe, “Non scommettere la testa con il diavolo”, asservendola ad un ulteriore approfondimento sulle angosce e sulle oppressioni dell’esistenza contemporanea. In “Fellini-Satyricon” (1969), invece, l’impianto onirico è trasferito alla Roma imperiale del periodo della decadenza. È una metafora del presente, in cui spesso prevale il piacere goliardico della beffa accompagnato da un interesse per le nuove idee dei giovani contemporanei.

 

Conclusi con lo special televisivo Block-notes di un regista gli anni sessanta, il decennio successivo si apre con una serie di film in cui il passato riminese torna alla ribalta con sempre maggior forza. “Amarcord” (1973), in particolare, segna il ritorno alla Rimini dell’adolescenza, degli anni del liceo (gli anni trenta). I protagonisti sono la città stessa con i suoi personaggi grotteschi. La critica e il pubblico lo acclamano con il quarto Oscar.

A questo film gioioso e visionario si susseguono “Il Casanova” (1976), “Prova d’orchestra” (1979), “La città delle donne” (1980) “E la nave va” e “Ginger e Fred” (1985). L’ultimo film è “La voce della Luna” (1990), tratto da “Il poema dei lunatici” di Ermanno Cavazzoni. Federico Fellini torna in questo modo con i suoi pazzi nella campagna per ascoltare le sue voci, i suoi bisbigli, lontano dal clamore della città. Il film rispecchia in pieno questi dati: da un lato, abbiamo allora la sgradevolezza delle immagini dei baracconi che quotidianamente vengono montati e smontati, dall’altro il calore e la poesia delle sequenze del cimitero, dei pozzi, della pioggia, della campagna di notte. Nella primavera del 1993, qualche mese prima di morire, Fellini riceve il suo quinto Oscar, alla carriera. Fellini si spegne a Roma per un infarto il 31 ottobre 1993 all’età di 73 anni.

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