Si chiamano “Mamai” le sculture di Paoletta Dessi: la rappresentazione affascinante e originalissima della magia della maternità.

Sono tutte da ammirare le meravigliose sculture di Paoletta Dessì, sembrano emergere dalle ossa che l’artista trova nelle sue passeggiate in campagna. Ma il candore e le linee dolci delle sue madri apparentemente semplici nascondono un’approfondita ricerca che parte dal lontanissimo passato primitivo: il culto della Dea Madre.

Tutto nasce da una passeggiata in campagna. Paoletta Dessì, originaria di Escalaplano, si è sempre occupata di arti visive, scenografa per il Teatro Lirico prima, per il Teatro Dallarmadio poi, ha sempre avuto la passione per la scultura. Appassionata di archeologia e di storia antica della Sardegna, ha condotto degli studi sull’acqua come origine della vita e legata ad essa il culto della Dea Madre. Per la sua sensibilità artistica ma anche intellettuale, Paoletta rimane profondamente colpita dal significato della simbologia del linguaggio che emerge dagli studi di Marija Gimbutas. L’archeologa lituana ha elaborato, in base ai ritrovamenti degli scavi da lei diretti nell’Europa sud orientale tra 1967 e 1980, una teoria sul linguaggio e la civiltà dei popoli del neolitico di quelle zone. Secondo la Gimbutas il centro della civiltà e della religiosità di quelle popolazioni era la figura femminile, vissuta come una divinità assolutamente pacifica e custode col proprio corpo della magia della continuità della vita. Finché è stata la divinità femminile a costituire il fulcro della civiltà, questo il pensiero dell’archeologa, i popoli hanno vissuto in pace.

A questi studi Paoletta ha legato quelli dell’archeologo Gigi Sanna sul linguaggio dei nuragici, concentrandosi quindi sulla civiltà preistorica sarda. Il frutto di questi approfondimenti sono i primi esperimenti di scultura: l’artista modella con la creta bianca, figure femminili in cui è evidente la fisicità della gravidanza. Occorre però un supporto, un piedistallo su cui adagiare le bellissime madri modellate. E proprio durante una passeggiata in campagna che Paoletta trova un osso, presumibilmente di ovino, come tanti se ne trovano e le viene in mente di utilizzarlo come piedistallo per la sua scultura. «Le ossa sono il simbolo della vita che si rinnova- racconta l’artista- sono uno dei passaggi del ciclo della vita, quindi costituiscono il supporto ideale per le mie sculture. Dopo quel primo ritrovamento, ho cominciato a raccogliere le ossa che trovavo durante le mie passeggiate, e così hanno cominciato a essere loro la mia ispirazione. Una vertebra, una mandibola, una scapola, mi suggerivano l’ispirazione per scolpire altre madri, in pose diverse». Basta osservare le sculture per comprendere le parole dell’artista.

Le madri che danno la vita, sembrano prendere vita a loro volta dalle ossa e le figure madre-osso si fondono l’una nell’altra in perfetta armonia. Se un’opera d’arte deve suscitare emozioni, sono sicuramente armonia, unione, distensione le emozioni che emergono da queste “Mamai”. Ed è esattamente questo il messaggio che vuole trasmettere la scultrice: «Senza nessuna velleità di voler impartire lezioni, non voglio ergermi a insegnante – spiega Paoletta- ma mi piacerebbe che chi osserva le mie madri percepisse il mio messaggio. Sarebbe bello che tutti accettassimo la diversità degli altri, non la vedessimo come una minaccia ma come un valore. La madre porta nel grembo una creatura di cui non sappiamo nulla, dobbiamo accettarla fin da prima che venga al mondo, senza sapere chi e come sarà». E si può davvero affermare che Paoletta Dessì abbia realizzato questo suo desiderio: fin dal primo sguardo alle “Mamai” si coglie il messaggio dell’artista, non certo fatto di calcolo o ragionamento, ma solo di emozioni che questa artista con la sua profonda sensibilità ha provato e poi trasmesso attraverso il suo talento. È sicuramente il senso di pace e armonia quello che prova davanti alle sue sculture. Paoletta Dessì ha esposto le sue opere a Oristano, Nuoro, Cagliari e Roma, oltre che a Escalaplano, e anche se attualmente le sue opere non sono esposte, la sua ricerca e la sua produzione non si fermano, anzi sono in programma altri progetti.

Sardi famosi, Costantino Nivola: uno dei più grandi artisti italiani del Novecento.

La sua vita, le sue sculture, i suoi lavori hanno reso lo scultore e artista di Orani immortale. Le vicende avventurose legate alla sua vita sarebbero degne di un romanzo. Fondamentale il suo lavoro nell’arte applicata all’architettura.

Ripercorriamo attraverso le notizie date da Sardegna Cultura: Costantino Nivola nacque a Orani nel 1911, sesto di dieci figli, Nivola ha sperimentato nell’infanzia la difficile vita di una famiglia povera nella Sardegna rurale del primo Novecento. 

Fin da giovane, nel 1926, è assunto come apprendista dal pittore Mario Delitala per i lavori di decorazione dell’Aula Magna dell’Università di Sassari. La partenza dal paese natio è un evento traumatico che, sottraendolo alla comunità, lo fa sentire sradicato: è soltanto il primo di una serie di distacchi destinati a scandire le fasi della sua storia esistenziale e artistica. Alla fine del 1931, grazie ad un sussidio del Consiglio dell’Economia di Nuoro, si trasferisce a Monza per frequentare l’Istituto Superiore per le Industrie Artistiche (ISIA). Qui si iscrive alla sezione di Decorazione pittorica e poi a quella di Grafica pubblicitaria, conosce altri due borsisti sardi, Giovanni Pintori e Salvatore Fancello, ai quali lo unirà una stretta amicizia. 
Nonostante l’avvertita mancanza di basi teoriche negli insegnamenti, gli anni trascorsi all’ISIA sono fondamentali per la sua formazione: il moltiplicarsi degli stimoli figurativi, il contatto con insegnanti di alto profilo (gli architetti Edoardo Persico e Giuseppe Pagano, il grafico Marcello Nizzoli ma anche il pittore Pio Semeghini, e lo scultore Arturo Martini) e la vicinanza ad un ambiente fervido come quello milanese contribuiscono ad accelerare il ritmo delle sue ricerche stilistiche e lo portano a confrontarsi con la questione, destinata a diventare per lui prioritaria, dell’arte applicata all’architettura. 

Nivola e il figlio a New York.

Nel 1936 entra come disegnatore alla Olivetti di Milano grazie a Ruth Guggenheim, giovane ebrea tedesca rifugiatasi in Italia per sfuggire ai nazisti. Entrato inizialmente all’Ufficio Sviluppo e Pubblicità, viene presto destinato alla realizzazione delle campagne pubblicitarie e degli allestimenti e nel 1937 diventa il direttore artistico della società. Questo momento di intensa attività e di scambi intellettuali viene bruscamente interrotto. Da qualche tempo le sue posizioni nei confronti del regime si sono fatte più critiche e nel 1938 gli eventi precipitano: davanti alla minaccia delle leggi razziali sposa Ruth e si reca con lei a Parigi e da qui parte per gli Stati Uniti.

All’immagine limpida di Orani, il villaggio della memoria, fa riscontro la densità visuale dei dipinti e dei disegni che ritraggono New York. Attraverso di essi l’artista tenta di penetrare nel cuore di una città che sente ancora estranea. Nel 1948, così come altri artisti suoi amici, compra una casa a Springs, presso East Hampton. Il giardino, creato insieme all’architetto Bernard Rudofsky, diventerà una singolare opera d’arte ambientale, con una serie di stanze a cielo aperto e muri ornati da graffiti e un solarium con decorazioni cubiste.

Nivola è tra i pochi scultori che hanno aggiunto una nuova tecnica di esecuzione a quelle già esistenti: si tratta del sand-casting, col quale esegue le sue opere di maggiore impegno a partire dagli anni Cinquanta. Il sand-casting è un tipo di rilievo ottenuto con un procedimento piuttosto semplice: la forma viene modellata in negativo sulla sabbia; su di essa si versa poi una colata di gesso (nei modelli e nelle sculture piccole) o di cemento (nelle opere più grandi), che asciugandosi dà vita al rilievo definitivo. Questo può essere arricchito dal colore aggiunto nell’impasto. Successivamente Nivola perfezionò il procedimento, adattandolo all’esecuzione di grandi opere monumentali. 

Nell’opera di Costantino Nivola si afferma una concezione dello spazio dilatata e priva di centro, distesa per lo più in orizzontale: una spazialità associata alla decorazione, alla sua docilità nei confronti della forma che riveste, in contrasto con l’autonomia della scultura verticale e isolata. L’eredità antropologica della Sardegna ha costituito il punto di partenza per la sua ricerca di una scultura intesa come arte corale, comunicativa, legata all’architettura e incentrata sul tema di una femminilità archetipica, identificata con la Natura. 

Oltre alle numerose iniziative in campo artistico insegna al Carpenter Center per le arti visive della Harvard University (1973-75) e all’Università di Berkeley (1978-80). Muore a Long Island il 5 maggio 1988. Famose sue opere sono ammirate in tutto il mondo, a Orani vive non senza difficoltà il museo a lui dedicato, mentre a Cagliari è possibile ammirare diverse sue opere sotto il Consiglio Regionale.